terça-feira, 31 de julho de 2007

El cine pierde a un director fundamental Ingmar Bergman


Suecia y el mundo de luto:
El cine pierde a un director fundamental

Fernando Zavala








Ingmar Bergman, ya retirado de la vida pública, falleció por causas naturales dejando uno de los mayores y más contundentes legados de la cinematografía mundial.

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FERNANDO ZAVALA

En el sueño, sin estridencias, en total y absoluta calma. Así, como él mismo se propuso pasar sus últimos años, partió uno de los más grandes cineastas de la historia. Ingmar Bergman (89) falleció ayer de causas naturales en su casa de la isla de Faro, en el mar Báltico. Estaba retirado desde 2003, cuando hizo el último y definitivo anuncio de aislamiento. El legado que deja es inconmensurable. Sesenta años de carrera, 54 películas, 126 obras de teatro y la admiración pública de cineastas como Bertolucci, Allen y Spielberg. Una colección de elogios, premios y homenajes, como la Palma de Palmas de Cannes.

Bergman pasará a la historia por haber recorrido el mundo con un cine profundamente personal que sigue cautivando con historias basadas en su familia, en sus amores y desamores. Tuvo un padre estricto que lo marcó, una mirada pesimista de la vida, se casó cinco veces y tuvo nueve hijos. Pero al final, sus últimos días los pasó sin poder superar la pérdida de su gran amor.

"El séptimo sello", "Fresas salvajes", "Persona", "Sonata otoñal" son sólo algunos de los títulos que lo transformaron en un monstruo del cine. Sus historias generalmente hablaban de la lucha de sexos, con mujeres al borde del colapso y hombres que eran meros espectadores de la acción.

Ernst Ingmar Bergman nació en la ciudad de Upsala, el 14 de julio de 1918. Hijo de un estricto pastor protestante, desde pequeño lo marcaron sus vehementes sermones sobre la religión, la culpa y la redención. Más tarde, agradeció a sus padres por haberlo criado en un ambiente infeliz: "Crearon para mí un mundo al que rebelarme".

Las películas eran un escape para el pequeño Ingmar. Le dio 100 soldaditos de juguete a un hermano a cambio de un proyector que le había dado una tía. Construyó un teatro de títeres para entretener a una hermana menor y, al poco tiempo, ya estaba adaptando a Strindberg.

En 1937 pasó fugazmente por la Universidad de Estocolmo. Empezó a estudiar literatura, pero pronto obedeció al llamado del teatro, un lazo que nunca dejaría. Llegó a ser director de la Royal Opera de Suecia y del Royal Dramatic Theatre. La sede de este último en Estocolmo tenía ayer sus banderas a media asta.

En el cine partió como guionista de la compañía Svensk Filmindustri. Su primer guión, "Hets" (1944), dirigido por Alf Sjöberg, fue un éxito que ganó el Gran Premio del Festival de Cine de Cannes.

En 1945 comenzó a dirigir. Optó principalmente por historias de jóvenes que lidiaban con temas como la infidelidad, la muerte o el suicidio. Una década después produciría una lista de verdaderas obras maestras. Entre ellas, las mencionadas "El séptimo sello" y "Fresas salvajes".

De sus cinco matrimonios, el que le causó mayor impacto fue el último, con Ingrid von Rosen. Se casaron en 1971, cuando ya tenían un hijo, pero ella murió en 1995. Bergman nunca pudo olvidarla. Hacía casi una década que ya había escogido como su hogar la isla de Faro, pero después de enviudar su reclusión aumentó. En los últimos años ya no recibía muchas visitas, aunque disfrutaba sus conversaciones telefónicas con amigos y antiguos actores como Bibi Andersson ("Persona") y, especialmente, Erland Josephson, su alter ego en 14 filmes.

En Faro, una isla de unos 400 habitantes, era querido y todos respetaban su privacidad. Construyó siete casas allí, un teatro y un cine en un viejo establo. Ayer, un libro de condolencias se instaló en uno de los edificios públicos del lugar.

En los 80, hacer películas comenzó a agotarlo. Fue después de "Fanny y Alexander" (1982) cuando se despidió por primera vez del cine. De hecho, nunca más volvió a hacer una cinta para la pantalla grande. Todo su trabajo posterior fue en televisión. Incluida "Saraband" (2003), que recorrió los cines del mundo. Allí volvió a trabajar con la actriz Liv Ullmann, uno de sus romances más famosos. Ambos tienen una hija y fueron amigos hasta el final.

La noticia del deceso de Bergman impactó a todo el globo. Las autoridades suecas lo homenajearon; el presidente de Francia, Nicolas Sarkozy, también. Los responsables de los festivales de Berlín, Venecia y Cannes le dedicaron palabras de admiración. Cineastas y actores tampoco estuvieron ausentes. Muchos, en todo caso, lo estarán para los funerales. Fiel a su estilo de vida, Bergman será despedido en una fecha aún por definir y de manera muy privada.

"(Hacer películas) a veces era una obligación, pero siempre ha sido una obsesión. Creo que es muy erótico, porque hay un entendimiento emocional al completo".


Sesenta años de indagaciones, cinco películas clave

"EL SÉPTIMO SELLO" (1957)

La imagen de Max Von Sydow, como un agotado caballero jugando ajedrez con la muerte, es una de las más emblemáticas de Bergman. El filme ganó el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cine de Cannes.

"FRESAS SALVAJES" (1957)

El mismo año de "El séptimo sello", Bergman estrenó otra obra cumbre. El director recurrió al legendario actor y cineasta sueco Victor Sjöström para interpretar a un anciano profesor que, en el camino a recibir un premio, evalúa su vida.

"PERSONA" (1966)

Las dos musas de Bergman, Liv Ullmann y Bibi Andersson, protagonizan esta cinta sobre la relación entre una actriz que ha quedado muda y la enfermera encargada de cuidarla.

"ESCENAS DE LAVIDA CONYUGAL" (1973)

Adaptado de una miniserie de seis episodios para la televisión sueca, el filme revisa el rompimiento de una pareja. Ganó el Globo de Oro.

"FANNY Y ALEXANDER" (1982)

También adaptada de una miniserie, fue la última película para cine de su carrera. La historia gira en torno a dos hermanos en la Suecia de comienzos del siglo XX. Ganó cuatro premios Oscar.

Reacciones

"Siento una gratitud infinita por todo lo que me dio en el plano profesional y por el inmenso privilegio de haber sido su amigo".

MAX VON SYDOW
ACTOR

"No puedo imaginar un mundo sin él. Tuvo el coraje de contar los amores, las pasiones, las derrotas y el flujo lento y complejo del alma humana".

LIV ULLMAN
ACTRIZ

"Era un gran amigo y sin duda el mejor artista cinematográfico de esta época. Me entristeció mucho enterarme de su muerte".

WOODY ALLEN
DIRECTOR

"Él era el director de la condición humana, de la miseria del hombre... el último de los grandes, porque probó que el cine puede ser tan profundo como la literatura".

GILLES JACOB
DIRECTOR DEL FESTIVAL DE CANNES

"El mundo ha perdido a uno de sus más grandes cineastas".

RICHARD ATTENBOROUGH
CINEASTA Y ACTOR










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Triste semana para el cine: Murió el director italiano Michelangelo AntonioniMartes 31 de Julio de 2007


Triste semana para el cine: Murió el director italiano Michelangelo AntonioniMartes 31 de Julio de 2007
05:56
Agencias / El Mercurio Online

SANTIAGO.- La semana para el cine mundial comenzó de forma negra con la muerte del ilustre cineasta sueco Ingmar Bergman (1918-2007), pero el luto se extenderá por más días tras conocerse el fallecimiento del también reconocido director italiano Michelangelo Antonioni (1912-2007), quien murió ayer a los 94 años en su casa ubicada en Roma.

Antonioni, cuya familia informó hoy sobre su fallecimiento, logró amplio reconocimiento por trabajos como "La Aventura" ("L'Avventura", 1960), "Blow Up" (1966), "Zabriskie Point" (1970) y "El Pasajero" ("Professione: Reporter", 1975), algunas de las cintas que lo llevaron a obtener el Oscar honorífico por su trayectoria en 1995.

El cineasta italiano, nacido el 29 de septiembre de 1912, comenzó su carrera como periodista y banquero entre 1935 y 1939, año en que se mudó a Roma desde su natal Ferrara y comenzó a trabajar como crítico de cine para la revista Cinema y otras publicaciones. En la década de 1940 trabajó como asistente de dirección y escribió guiones para grandes cineastas italianos, como Federico Fellini y Roberto Rossellini, entre otros.

En 1947 rodó su primer filme, un cortometraje llamado "Gente del Po", hasta que en 1950 por fin realizó debut en largometrajes con "Cronaca di un Amore", en la que también participó como co-guionista.

En su dilatada trayectoria posterior, el Festival de Cannes fue uno de los que más veces lo reconoció. En 1960 recibió el Premio Especial del Jurado por "La Aventura" y dos años más tarde repitió por "El Eclipse" ("L'Eclisse", 1962). En 1967 definitivamente se llevaría la Palma de Oro por una de sus películas más reconocidas, "Blow Up", protagonizada por David Hemmings y Vanessa Redgrave, basada libremente en un cuento de Julio Cortázar.

Antonioni también ganó el León de Oro en Venecia por "El Desierto Rojo" ("Il Desserto Rosso", 1964) y el premio de los críticos como mejor director por "Blow Up" en 1966. En Venecia también reconocieron su trayectoria con un premio honorífico en 1997.

El cineasta estaba en silla de ruedas tras un derrame cerebral padecido hace veinte años, pero eso no le impidió seguir trabajando, con muchas dificultades para moverse. Así como participó en el filme colectivo "Eros" (2004), película de fragmentos en la que también estuvieron Steven Soderbergh y Wong Kar Wai.

Antonioni es considerado un ícono del cine introspectivo, con un estilo que marca con énfasis la estructura visual. Su cine, marcado por la obsesión de la imagen y la búsqueda de un lenguaje formal y estético, con escenas largas y lentas, servía en realidad para indagar en el mundo interior de sus personajes, en un espacio enigmático. Películas como "El Desierto Rojo", "Blow up" -sobre el inquietante descubrimiento de un delito gracias a una fotografía- y "El Pasajero", marcaron la historia del cine.

Brillante intelectual, autor o coautor de la mayoría de sus guiones, sus películas reflejan una mirada muy personal sobre la realidad en la que el uso del simbolismo visual acerca a temas como la alienación, el aburrimiento o el erotismo sin amor.

En la década de 1960, su estilo se confirmó con una serie de filmes, entre ellos "El Eclipse", interpretado por su actriz fetiche Monica Vitti, también su compañera sentimental por una decena de años.

Después de 13 años inmovilizado y privado del habla como consecuencia del derrame cerebral, Antonioni dirigó un episodio de "Eros", presentado en el festival de Venecia ese mismo año. El fragmento fue tan osado que el productor francés tuvo que cortar tres minutos de la escena en la que la protagonista femenina se masturba.

Edição 455 A desbravadora Sueli Costa


Edição 455
A desbravadora Sueli Costa
por Pedro Alexandre Sanches
Sempre discreta, a compositora de sucessos dos anos 70 como Jura Secreta e 20 Anos Blue volta a cantar e usa a internet para difundir sua música

Nos anos 70, Sueli Costa se fez desbravadora entre compositoras brasileiras, ao fornecer sucessos de clave bem feminina (e por vezes politizadas) a intérpretes como Nara Leão, Simone, Elis Regina, Maria Bethânia, Gal Costa, Fagner, Nana Caymmi, Marília Medalha, Cauby Peixoto, Ney Matogrosso e muitos outros.

No CD independente Amor Blue (que Sueli vende em seu próprio site, www.suelicosta.com.br), a trajetória errante de cantar é retomada por uma artista que não se vê como cantora. E de fato não o é. A meta é enfileirar canções inéditas com um leque aberto de parceiros (Ana Terra, Paulo César Pinheiro, Abel Silva, Fausto Nilo, Paulo Emílio, Carlinhos Vergueiro, Paulo Mendonça, Ana Maria Bahiana, Luiz Sérgio Henriques) e participações vocais (Simone, Nana Caymmi, Maria Bethânia, Daniel Gonzaga, Celso Fonseca, Fernanda Cunha).

Autora de canções tristes que ficaram populares nos anos 70, como 20 Anos Blue, Jura Secreta, Coração Ateu, Assombrações, Acorrentado, Encouraçado, Medo de Amar, Dentro de Mim Mora um Anjo, Açúcar Candy e Vida de Artista, Sueli fala sobre a volta.



CartaCapital: Fazia sete anos que você não lançava um disco. O que andou fazendo nesse hiato?

Sueli Costa: Entrei na Lei Murilo Mendes, da Prefeitura de Juiz de Fora. Fiquei até com medo de não passar na lei, porque já sou mais conhecida, mas acho também que a vida da gente começa todo dia, compositor é isso aí. Aí fui contemplada pela lei, e consegui fazer esse disco assim, com a família trabalhando, minha sobrinha Fernanda Cunha produzindo, meu filho fazendo o encarte, meu sobrinho fazendo a capa... Arregacei as mangas, fiz os arranjos, toquei os pianos e chamei os amigos. Tinha uma vontade muito grande de fazer um disco com Nana Caymmi, Simone, Maria Bethânia.



CC: É a primeira vez que você toca piano e faz arranjos num disco, não é isso?

SC: É. Tem muita gente que gosta do meu piano, e eu sou apaixonada por outros pianos. Mas desta vez arregacei as mangas.



CC: Você não é uma cantora constante. Como é para você gravar?

SC: Não, não sou cantora, não. Deus não me deu essa graça. Mas mostro as minhas músicas, né? Não pretendo ser mais do que eu sou. Eu sei mostrar uma música, e esse disco é um meio para mostrar minhas músicas novas. E está em primeiro lugar de vendas na (loja carioca de discos) Modern Sound, maravilhoso. É um disco sem gravadora, sem nada. Estou vendendo no site e tem gente que pede mais, pede o disco anterior. Fiz uma prensagem pequena, 400 discos com a prefeitura, e vou reprensar agora, rapidinho, correndo.



CC: Quantos anos já são de envolvimento com a música?

SC: Acho que desde que nasci. Minha mãe era pianista e professora de música, eu com quatro anos tocava piano, antes de ser alfabetizada. Música gravada, mesmo, foi em 1967, estou fazendo 40 anos de música gravada. Foi Nara Leão que gravou a primeira música (Por Exemplo: Você). Antes eu tinha feito show, música para teatro em Juiz de Fora, festival...



CC: Como você se vê dentro da história da música brasileira? Qual tem sido seu papel?

SC: De trabalhadora mesmo, de operária, junto com todo mundo. Não sei viver sem isso. Às vezes está bom, às vezes está ruim, mas eu não saberia fazer outra coisa.



CC: Apesar de ter feito uma série de discos, você sempre foi primordialmente uma compositora. Não é um ofício dos mais fáceis, não?

SC: É, eu nunca pensei em ser cantora. Tomei um susto quando fiz meu primeiro disco, em 1975. Achei que era um disco para registrar as músicas, mostrar. Não achava que eu tinha que cantar. Mas Paulinho da Viola ia ao Nordeste com uma turma, com Fagner, Moraes Moreira, um time de futebol, um audiovisual e um show de música. Paulinho me convidou para ir junto, nós fomos atrás, e eram lugares grandes, com mais de mil pessoas, duas mil pessoas, ginásios.



CC: E você cantando?

SC: Eu cantando, fui batizada assim (ri).



CC: Foi traumático?

SC: Não, foi maravilhoso. Era uma energia muito grande. E eu estava ao lado de amigos. Era uma cumplicidade muito grande, uma unidade muito forte com todos eles, era uma geração, mesmo. Eu jogava no time de futebol, com Copinha, que era flautista, tocou com Carmen Miranda. A gente ficava jogando uma bolinha no hotel.



CC: Gonzaguinha produziu seu primeiro disco, João Bosco e Aldir Blanc produziram o segundo. Eles todos ficavam incitando você, querendo convencê-la a cantar?

SC: Não, acho que gostavam mesmo das minhas músicas. Quando fui fazer o primeiro disco, Gonzaguinha se ofereceu (suspira)... Depois, no segundo, eu estava muito junto com Aldir e João, a gente se encontrava todo fim de semana. Pus na mão deles, Gonzaguinha disse “ah, estou morrendo de ciúme” (ri). Mas todo mundo sabia que eu não era cantora. Nossa geração foi também um geração de compositores que cantavam.



CC: Existiam pouquíssimas compositoras, não?

SC: É, eu acho que estava um pouco isolada nessa época. Só tinha a Joyce.



CC: Por que isso?

SC: Não sei, hoje há muitas compositoras, mas na época não havia muitas, não. Eu sempre andei no meio de homem (ri). Me lembro de Juiz de Fora, minha casa ficava lotada no sábado e no domingo, era bateria na sala, piano, um tocando. As mulheres que tinha lá eram namoradas e mulheres dos meus amigos, sabe?



CC: Por outro lado, muitas cantoras gravaram, sua obra ficou marcada como algo muito feminino.

SC: É. Mas acho que as mulheres também demoraram um pouco para chegarem às paradas de sucesso. Me lembro de quando Clara Nunes entrou na parada de sucesso, em 1975, ela foi a primeira mulher a alcançar o topo das paradas. Era uma coisa mais de homem, sabe? Aí as mulheres tomaram realmente, acho que a partir da Clara.



CC: E muitas delas cantando músicas que você fazia...

SC: Tem mais mulher, mesmo, cantando minhas músicas. Como acho que tem mais mulher cantando, né?



CC: Você é tida como uma artista que foi politizada, participante nos bastidores. Como era isso?

SC: Não sei, não... Eu fui de uma geração que nasceu numa ditadura. Meu primeiro disco é de 1975, antes da abertura.



CC: Teve episódios com a Censura?

SC: Tive, tive, tive. Todo mundo tinha. Não tinha um que não tivesse. Era uma implicância, os caras viam cabelinho em tudo. Tive uma música, Cordilheira, que Erasmo Carlos chegou a gravar e não saiu. Só saiu agora, na caixa de CDs dele. Foi a primeira pessoa a gravar Cordilheira, e a Censura pegou.



CC: Qual era a alegação?

SC: Barravam, não falavam nada. Tive que ir a Brasília com (o co-autor) Paulo César Pinheiro para tentar liberar, falar com o chefe da Censura, uma coisa terrível. Corri com Paulinho atrás disso, ele em Brasília pisando no meu pé porque eu estava dizendo para o censor: “Escuta aqui, o cara sabe o que está prendendo, qual é a palavra que eu não posso usar? Eu preciso de parâmetros para compor daqui para frente”.



CC: E o censor respondia o quê?

SC: Nada. Nada. “Não, esqueça essa música.” Falei “esquece?”, você faz música, não pode esquecer. E Paulinho pisando no meu pé.



CC: O que você entendeu na época? O que essa música dizia de incômodo?

SC: Ah, falava muita coisa... Mas... (longo silêncio) não sei... Era tudo que a gente fazia. Tive uma música censurada, Altos e Baixos, que depois Elis gravou, já nos estertores da Censura, bem no final, porque quando a coisa está acabando fica pior, né? Falava de uísque, Dietil, Diempax. A música foi censurada, por causa do Diempax. Elis disse para mim: “Eu vou liberar, eu libero, vou conseguir, tá acabando”. Meu Deus do céu, se fosse pelo uísque, já era uma coisa, mas Diempax é um remédio que minha mãe toma. Era uma coisa doida. A gente fazia show beneficente, entrava no Teatro João Caetano cantando em benefício de alguma coisa ou de alguém, e não podia cantar as músicas. “Cordilheira não pode”, diziam. Aí eu falava: “Agora vou cantar Cordilheira”, e cantava Dentro de Mim Mora um Anjo. Anunciava o nome de uma e cantava outra.



CC: Mudou muita coisa dos anos 70 para o momento atual?

SC: Culturalmente, sim. Na Odeon, a gente era artista (ri), tinha cordas, metais à disposição, podia gravar. Hoje não tem dinheiro para fazer um disco. Hoje você tem que fazer um disco para dar para a gravadora lançar. As gravadoras nem compram o disco, pegam e lançam, você dá de presente.



CC: Você não fez isso, não é?

SC: Não, não, não. Tentei, não tive uma boa proposta. Estou comemorando meus 40 anos de carreira, vou em frente, acho que vai dar certo. Queria mostrar minhas músicas novas, fiz um disco cheio de participações, e de parceiros também. Cada parceiro tem uma música. Só sinto falta de Aldir Blanc, queria fazer uma com ele, mas não deu tempo. Tem um chorinho que eu ia dar para ele, mas vou ver se fica para o próximo disco. Já estou pensando outro.



CC: Esse é o lado bom de não depender mais de gravadora?

SC: Eu acho que gravadora está acabando, tem hora que eu acho. Estou conseguindo vender disco na internet, quase fiquei doida aqui, porque inventei esse negócio de vender pela internet. Eu não sabia que estava lidando com fã-clube de Simone... O disco também teve críticas ótimas. Aí começou a chover e-mails, eu falei “meu Deus do céu, Fernanda, você não tem uma secretária para me ajudar?”. Passei a responder e-mail um atrás do outro.



CC: Quando você vende CD desse modo, é você mesma quem envia para a pessoa?

SC: Eu que envio, claro. Acaba um, começa outro. Mas é bom também, é um contato legal com pessoas que gostam do trabalho.



CC: Esse contato direto não existia até há pouco, não? É difícil imaginar o próprio artista mandando o disco para o fã.

SC: É. Com esse dinamismo, arranjei vários amigos. É engraçado, você fica íntima das pessoas. É legal, tem cara que compra para a mãe, depois a mãe quer comprar mais dois para dar para as amigas. É muito engraçado. Acho legal esse contato. Gosto de fazer show, quando canto eu gosto, porque estou ali com as pessoas que gostam da minha música e estou vendo aquela reação de perto. É uma troca, tem uma energia bacana que você joga e ganha de volta. Acho que essa coisa de internet é parecida. Você tem contato com quem gosta, e tem mais gente que gosta de você do que você pensa (ri).
by carta ca´pital

¿TVN o la BBC chilena?


¿TVN o la BBC chilena?

Cada vez que, como ahora, las disputas políticas en su directorio ponen a TVN en el centro del debate y surgen voces reclamando cambios en su esquema, muchos invocan el ejemplo de la BBC, el gran modelo británico de televisión pública. Pero, ¿cómo funciona realmente la señal inglesa? ¿Qué lecciones de su gestión económica y de su gobierno corporativo puede sacar el canal nacional?
Por Luis Argandoña, gerente de estudios de Conecta Media Research.



TVN volvió al tapete. La fracasada moción del gobierno para renovar dos miembros de su directorio, hizo surgir voces en el Congreso que han demandado discutir y actualizar el modelo del canal estatal, incluyendo su diseño programático, esquema de financiamiento y gobierno corporativo, entre otros.

Como ocurre a menudo, los argumentos en torno a lo que debiera ser la misión del canal público suelen invocar, aunque sea de pasada, al "santo grial" de la televisión de servicio público: la British Broadcasting Corporation o BBC.

La útil referencia a la "Beeb", como le llaman afectuosamente los británicos, sirve en estos casos para consignar todo lo que es bueno y deseable en TV: independencia, equilibrio, diversidad, innovación, cultura, y sobre todo, calidad.

Sin embargo, las comparaciones livianas suelen saltarse las radicales diferencias de nuestro mercado televisivo con el británico. Más aún, contrario a lo que muchos imaginan y a pesar del enorme poder de su marca, la BBC ha vivido desde hace al menos dos años una enorme crisis. Un trance que no sólo la enfrenta a contradicciones y desafía su tradicional rol, sino que incluso ha puesto en duda la viabilidad de su actual modelo en el largo plazo.

Explorando en los conflictos y la reinvención que ha vivido la BBC, se pueden recoger pistas de cómo puede avanzar TVN.

Un monstruo medial

La BBC es uno de los conglomerados de medios más grandes del mundo, y sin duda el que goza del mayor prestigio. Emplea a más de 26 mil profesionales y dispone de un presupuesto anual de US$ 8 mil millones.

Sin considerar sus múltiples brazos comerciales, la BBC produce programas y servicios informativos a nivel planetario, distribuidos vía televisión, radio e internet. Con más de 6 millones de páginas, su sitio web se ubica entre los más visitados del mundo y se dispone a incursionar en la distribución on-demand, es decir, contenidos que se pueden consumir aquí y ahora, y con un solo clic (proyecto que lleva adelante el cientista y matemático chileno Nicolás Flores).

Legalmente, la BBC es una corporación pública independiente, de propiedad del Estado, "libre de influencia política y comercial, y sólo responsable ante sus televidentes y auditores". Su máxima autoridad es el BBC Trust, un directorio de fideicomisarios que supervisa la gestión del directorio ejecutivo. Si bien el gobierno tiene injerencia en nominarlos, el proceso de selección es público y pasa por un panel evaluador independiente. La autoridad ejecutiva es el director general, hoy Mark Thompson. Éste es el profesional mejor pagado de toda la jerarquía, con un salario anual de US$ 1.25 millón.

Los doce miembros del BBC Trust deben proteger la independencia y sentar la dirección estratégica de la corporación, dentro del marco que les fija el Charter o licencia.

Pero su compromiso prioritario es con los intereses de los contribuyentes. Esto es así porque, a diferencia de TVN, que no recibe aportes del Estado y debe autofinanciarse compitiendo por publicidad, son los británicos quienes se meten la mano al bolsillo para que funcione la BBC. Es el "TV license fee". Un derecho que cuesta 144 mil pesos chilenos, y que se paga cada año por cada televisor. Ser sorprendido sin la licencia significa una multa de hasta un millón de pesos chilenos. Y los encargados de cobrarla, créanme, son verdaderos acosadores.

La licencia hace que los telespectadores se sientan con el derecho a exigir que la BBC genere valor para ellos. Aunque la mayoría está orgulloso de la BBC, según estudios del organismo regulador Ofcom, son muchos lo que creen que la promesa de la corporación no se cumple al nivel que esperan. Peor aún, cada vez son más los que piensan que, en un mercado con crecientes alternativas, pagan demasiado por un servicio que usan cada vez menos.

Poniendo a prueba la confianza

La credibilidad de la BBC es su activo más preciado. Sin embargo, hace un par de semanas se descubrió que los programas infantiles más populares de la BBC falseaban los concursos telefónicos. Pocos días antes, la promoción de un documental sobre la reina Isabel II manipuló las imágenes, haciéndola aparecer como una arrebatada que abandonó una sesión con la afamada fotógrafa Annie Leibovitz. Los directivos tuvieron que ofrecer disculpas públicas.

Más aún, en junio de este año un reporte comisionado por la misma corporación, señaló que la cobertura noticiosa de la BBC está "institucionalmente sesgada": adolece de un desbalance a favor de posturas liberales, antinorteamericanas y es parcial en temas como cambio climático, pobreza, raza y religión.

Todo esto ocurrió en un lapso muy breve, y obligó al director general a ordenar una revisión completa de procedimientos, y a declarar tolerancia cero al "abuso de la confianza de los auditores".

Pero la fortaleza de la BBC es su cultura de transparencia y autocrítica, así como de evaluación permanente de sus estándares de calidad. Uno puede estimar que éstos serán problemas pasajeros.

Lo que no es pasajero son las crecientes dificultades de la BBC para atraer a una audiencia cada vez más fragmentada y esquiva. Esta es la verdadera crisis de fondo. Si bien aún goza de una posición dominante y puede dar muestras de innovación y creatividad con éxitos como "Little Britain" o la notable serie "The Office", las condiciones para la BBC han cambiado dramáticamente. Nuevas tecnologías, mayor competencia y modificaciones en los hábitos y preferencias están haciéndole más difíciles las cosas.

Su mayor amenaza: un consumidor con opciones

A diferencia de la época de oro en que consolidó su prestigio mundial -antes de la liberalización del mercado medial impulsada por Margaret Thatcher-, hoy la BBC debe competir en un entorno multicanal y multiplataforma. Hay cientos de canales análogos y digitales, distribuidos por satélite, cable y antena. La consecuencia es que, según datos de The Economist, hace dos décadas la BBC acumulaba el 47 % de todo el visionado televisivo en el Reino Unido. Hoy los dos canales terrestres, BBC1 y BBC2, agrupan sólo el 33 %. Por su parte, los servicios privados multicanales (que incluyen otras señales digitales de la BBC) ya tienen el 30%.

Según todos los analistas, esta tendencia se profundizará, sobre todo en los más jóvenes. El promedio de edad de los televidentes de los dos canales abiertos de la BBC es de 53 y 54 años.

Esto es una amenaza directa para el modelo histórico de financiamiento de la BBC: su participación en la torta de audiencia podría bajar del nivel mínimo requerido para justificar que todos paguen el equivalente a $ 144 cada año.

Es por esto que la ministra de Cultura y Medios, Tessa Jowell, al momento de anunciar el presupuesto para la BBC el año pasado, enfatizó que ahora "la entretención es central para la misión de la BBC". Un cambio de énfasis estimado imprescindible para poner a la BBC, como añadió Jowell, "más cerca de la gente que paga por ella".

Las esperanzas puestas en la innovación

Si bien las nuevas tecnologías amenazan los esquemas de negocios tradicionales de la BBC, también están abriendo fascinantes perspectivas.

Ya tienen diez canales digitales gracias a su sólida apuesta por la televisión digital terrestre. Entre estas señales destacan BBC3, BBC4, BBC News 24, BBC Parliament y dos canales para niños: CBBC y CBeebies.

Crear canales digitales adicionales es una gran oportunidad para televisoras cuya misión va más allá del lucro, tales como TVN y Canal 13. Ello les permite diversificar su parrilla programática, satisfaciendo mejor la demanda por diversidad de contenidos especializados (por ejemplo, culturales o regionales).

Como se mencionó antes, el desarrollo del modelo de distribución on-demand en internet es también una gran avenida de crecimiento. De acuerdo al avance de la convergencia de la web y la TV, esto podría reconfigurar todo el esquema de delivery de la BBC, ofreciendo todos sus contenidos, actuales y de archivo, vía online (y al menos buena parte de ellos gratis).

Los canales nacionales deberían estar atentos a esta nueva modalidad de la BBC, porque los chilenos ya están dando señales de empezar a consumir -con mucha voracidad- clips audiovisuales en YouTube, según datos de Alexa.com. Y una importante proporción de los clips que se suben y comparten espontáneamente ahí son programas producidos por TVN, Canal 13, Mega y Chilevisión.

Lecciones para nuestra pantalla

De la enorme trayectoria de la BBC y la disposición ante sus crisis se pueden sacar varios aprendizajes. Al menos en cuatro ámbitos.

Primero, que la BBC es un referente clave, pero no un modelo de comparación directa con nuestra realidad. Su magnitud y el nivel de desarrollo del mercado británico simplemente tienen otra escala.

Segundo, que a pesar de las dificultades, el ideal de la televisión de servicio público sigue vigente y vigoroso. Ya no se expresa necesaria o únicamente en programas, géneros o plataformas específicas, sino en valores que se trasuntan en toda la programación. TVN ha seguido esta línea con mucho apego, y es posible distinguir -sus audiencias lo hacen- líneas valóricas en espacios tan distintos como Rojo, las telenovelas o los matinales.

Un tercer ámbito es la reinvención apoyada por la tecnología: es crucial invertir en innovación que acerque al canal con sus usuarios o televidentes, utilizando todas las plataformas posibles.

Y, por último, el área más compleja: la importancia de una fuerte institucionalidad para lidiar con el poder y la influencia política.

En la búsqueda por mantener los equilibrios, la BBC también usa el cronómetro para asignar los tiempos a cada partido "según performance electoral y popularidad". Sin embargo, no es la única medida. También realizan estudios cualitativos donde el criterio periodístico y la relevancia son tomados en cuenta.

Asimismo, en el proceso de constituir el directorio, hemos visto que la elección de los miembros del BBC Trust pasa, además del gobierno, por un panel evaluador público. Y si bien la filiación política es importante, no es el único requisito: se demandan además habilidades y calificaciones específicas y relevantes para la industria. En este mismo ámbito, el BBC Trust explicita claramente las atribuciones y los límites en el actuar de sus miembros. Ya lo sugirió el respetado académico Valerio Fuenzalida con ocasión de la crisis y renuncia masiva del 2004 en TVN: al interior de una instancia como ésta no hay espacio para confundir la función deliberativa con la directiva.

En definitiva, como lo demuestra la experiencia de la BBC, con flexibilidad y anteponiendo los intereses del telespectador -ciudadano y consumidor- a los del paternalismo y el iluminismo, es aún posible crear una televisión pública sustentable y al mismo tiempo atractiva para la mente, el corazón y el alma.

by qué passa chile

Sarkozy: ¿Un modelo para la Alianza?


Portada
Sarkozy: ¿Un modelo para la Alianza?

Alfredo Jocelyn-Holt, historiador y académico de la U. de Chile: "La sensatez ha llevado a Sarkozy a aggiornar sus huestes. ¿Por qué la derecha chilena no se despeina como aconseja la realpolitik? La Moneda vale una canción nacional sin botas ni estrofa adicional incluida".



El reciente triunfo y novedad de Nicolás Sarkozy nos vuelve a un tema recurrente respecto a la derecha chilena. ¿Cómo chicoteamos a esta yunta de bueyes para desempantanarla después de 18 años, si no más, atendido el hecho de que se puede ser de derecha y sin yeta? ¿Con qué cruzamos a nuestros dos rumiantes para agilizarlos un tanto? Ocurrió hace poco con David Cameron, el promisorio torito fina sangre inglés, y ahora se presenta de nuevo la posibilidad con el gaullista húngaro-francés.

En ambos casos vemos una derecha que quiere renovarse. Cameron pretende que a su partido se le perciba compasivo y así los conservadores se puedan volver a sentir bien. Sostiene que no se saca nada enrostrándoles a los pobres su fatalidad e incapacidad: hay que darles a entender que tienen el apoyo moral del "sistema" y para eso se les debe fortalecer su responsabilidad y autoestima. Sarkozy dice lo mismo: "Entiendo que se puede ser pobre si no se tiene trabajo, pero no acepto que alguien siga siendo pobre y trabaje realmente duro". Hay que reconstruir un Estado, agrega, que todos sientan como propio. Cameron llama a un cambio generacional; Sarkozy a dejar atrás el cinismo entronizado de Mayo del 68 que transmutó, cual alquimia, viejos ideales utópicos en puro deseo materialista, consumista y acaparador. Cameron se parece más a Blair que a la Thatcher; Sarkozy, a su vez, se supone que le habría ganado a la izquierda en su propio "turf": el de las ideas. Un derechista con ideas: ¡vaya, vaya!

Ambos, además, le han sacado mucha punta y roncha al aguatonamiento mundial de las izquierdas; especialmente el líder francés, sosteniendo que a los izquierdistas les gusta demasiado el poder, son hipócritas y corruptos (dicen representar a los sectores populares pero viven como depredadores, como derechistas).

Ni parecidos a los derechistas chilenos, ¿o no? ¿Se atrevería un UDI o un RN a proclamarse creyente pero laico o abrirse a un modelo más equilibradamente parlamentario que presidencialista, con más proporcionalidad en las elecciones y así mejorar la representatividad? En el gobierno, ¿renunciarían a prerrogativas para nombrar los directorios y altos cargos institucionales y empresariales públicos?; para qué decir integrar a socialistas en un futuro gobierno de derecha como lo ha sostenido Sarkozy. ¿Concebirían siquiera la posibilidad de hacer un gobierno de unión nacional si llegaran al poder como en Francia después de la última guerra (Sarkozy, no lo olvidemos, es gaullista)? ¿Dirían nuestros otrora antorchados de la libertad (con más gusto a mano dura que a libertad auténticamente republicana) que ahora repudian cualquier tipo de gobierno dictatorial y no sólo porque "nuestro" último "dictablando" se hizo rico indebidamente, conste que bajo gobiernos concertacionistas que es cuando empezó a mover sus platas en el Riggs?

¿Por qué no? ¿Por qué no abjuran, se flexibilizan y despeinan como aconseja la realpolitik? La Moneda vale una canción nacional bien zapateada, sin botas ni estrofa adicional incluida. La sensatez ha llevado a Cameron y a Sarkozy a "aggiornar" y moderar a sus huestes, conforme a los dictados de un mundo que se vuelve infinitamente más progresista y transversal que incluso sus autoridades y liderazgos, estén o no en el gobierno. La derecha chilena, en cambio, está empantanada hace rato en el tiempo y en sus supuestas "contribuciones" a la humanidad. Cree todavía que es profética porque "se anticipó" a Reagan y a la señora Thatcher. Sigue pensando que lo que este país necesita es un empresario en La Moneda; ¡tan pegados se quedaron con el último triunfo y gobierno que presidieron con todas las de la ley, 49 años atrás, y eso que éste fue un desastre político que siguen pagando hasta el día de hoy!
La derecha chilena critica al gobierno y éste se queja amargamente de que sólo se ve el vaso medio vacío. Una frase que difundió Lagos hasta el cansancio, antes, dicho sea de paso, de que Woody Allen en Scoop le agregara que él, en cambio, lo ve medio lleno? pero de veneno. La derecha se queja, es cierto, y hasta amenazan con desalojar a los actuales inquilinos de Palacio, pero cunde la sospecha, hace rato que hay mucho tongo en todo esto. Lo que impera en Chile desde hace 18 años es un consensualismo transversal en materias sustanciales, amparado en un empate consagrado en nuestra Constitución que no da cuenta de una sociedad más plural y compleja que por supuesto existe, pero no tiene oxígeno electoral. Visto así el asunto, quién es y no es de derecha o de izquierda oficialista es una cuestión un tanto escolástica, como discutir cuántos ángeles caben en la cabeza de un alfiler. Los empresarios, de un tiempo a esta parte, no hacen mayores distinciones al respecto, tampoco los militares ni nuestros "socios" extranjeros. Por eso la derecha, amén de estancada y sin vocación real de poder gubernamental, sigue y seguirá tan provinciana y rumiante como siempre.



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Metade das faculdades reprovadas no Enade está no Prouni

31/07/2007 - 16h35
Metade das faculdades reprovadas no Enade está no Prouni

Da redação

Depois de três anos de avaliações, o Ministério da Educação descobriu que quase mil cursos têm resultados insatisfatórios no Enade (Exame Nacional de Desempenho dos Estudantes). Metade dessas faculdades hoje oferece bolsas no Prouni (Programa Universidade para Todos) em troca de isenções de impostos por parte do governo.

Neste ano, essas isenções devem totalizar R$ 126 milhões. Cruzamento feito pelo jornal "O Estado de S. Paulo" mostrou que 462 dos 923 cursos com as notas mais baixas do exame estão oferecendo bolsas via Prouni para o próximo semestre letivo.

Ao todo, os cursos ruins representam 8% dos 5,8 mil oferecidos neste semestre no programa. O porcentual não é alto, mas as notas baixas incluem algumas das maiores instituições do país, que oferecem um bom número de vagas. É o caso, por exemplo, da Unip (Universidade Paulista). Ao mesmo tempo que tem cursos muito bem avaliados, a instituição aparece com 20 entre aqueles com as piores notas do Enade, em várias cidades do país -- todos eles inscritos no Prouni.

"Acredito que esse é até um número esperado, dentro do normal. Não desqualifica o programa nem as instituições. O Enade não é o sistema completo de avaliação, não é feito por todos os alunos e alguns, muitas vezes, não têm compromisso com o resultado", afirma o presidente do Sindicato das Entidades Mantenedoras dos Estabelecimentos de Ensino Superior do Estado de São Paulo, Hermes Figueiredo.

O Enade avalia a instituição por meio de uma prova feita com uma amostra dos alunos em dois momentos: o primeiro ano de curso e a graduação. A intenção é medir não apenas o conhecimento do formando, mas quanto a instituição conseguiu agregar de conhecimento ao longo do curso. A cada ano, o ministério avalia um grupo de cursos por áreas de conhecimento. O primeiro grupo foi avaliado em 2004 e o último, em 2006. Só neste ano o MEC passou a ter uma avaliação completa de todas as instituições.

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visita a Universidad Andres Bello Chile


A Universidade Andres Bellos faz parte da Laureate International Univiersities , da qual a Universidade Anhembi MOrumbi também é integrante.

sábado, 21 de julho de 2007

corredor literário



Livros por toda a avenida - Diário do Comércio - 29/09/2006

Na próxima semana quem passar pela avenida mais famosa de São Paulo terá uma agradável surpresa. A partir de segunda-feira, dia 2, começa o 2º Corredor Literário na Paulista que traz uma intensa e gratuita programação cultural. Com o objetivo de promover e disseminar o prazer pela leitura, o evento terá mais de 150 atividades em diversos locais espalhados pela Avenida Paulista.

Palestras, contação de histórias, oficinas de literatura e saraus são alguns dos programas feitos tanto para quem está chegando de mansinho ao universo das letras quanto para os amantes dos livros. Para ninguém ficar perdido ao longo da avenida, letras-escultura sinalizarão os locais das atividades.

E se a intenção é aumentar a biblioteca, o lugar ideal é o edifício da Fiesp (nº 1313) que terá livros de cerca de 60 editoras a preços promocionais, incluindo lançamentos. Em alguns lugares, o público poderá levar para casa novidades autografadas por seus criadores. O jornalista Zeca Camargo, por exemplo, estará no Sesc Avenida Paulista (nº 119) lançando o livro De A-ha a U2 - Os bastidores das entrevistas do mundo da música. O bate-papo com o autor e a sessão de autógrafos acontecerá no dia 4, às 20h.

O provocador Antônio Abujamra será o convidado do dia seguinte (5). Ele fará uma leitura dramática de seleção de prosa e poesia sobre a cidade de São Paulo e o cidadão paulistano, a partir da coletânea São Paulo em preto e branco pelo olhar de seus escritores.

A escritora Clarice Lispector será tema de um debate na Fnac da Paulista (nº 901) com a presença das escritoras Aparecida Maria Nunes, autora do livro Clarice Lispector Jornalista e Nadia Batella Gotlib, autora de Clarice – uma vida que se conta. Almir de Freitas, editor de literatura da revista Bravo!, será o mediador do debate que começará às 19 horas do dia 4.

O público mirim também tem espaço garantido no Corredor. A Caixa Cultural, Galeria Paulista (nº 2.083), terá no dia 6, a partir das 14h, a sessão de narração de histórias com o grupo Os Tapetes Contadores de Histórias, indicada para crianças a partir de três anos.

Casa das Rosas, Conjunto Nacional, Masp, Instituto Cervantes e o Itaú Cultural também estão incluídos no evento. Para conhecer a programação completa do 2º Corredor Literário na Paulista acesse o site http://www.corredorliterario.com.br/.

2º Corredor Literário na Paulista. De 02 a 08 de outubro. Ingresso: grátis.




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ganhadores do jabuti



Ruy Castro e Milton Hatoum levam Jabuti - Folha de S.Paulo - 14/09/2006

Uma Sala São Paulo praticamente lotada recebeu ontem a cerimônia de premiação dos vencedores da 48ª edição do Prêmio Jabuti. A novidade da noite foi a divulgação dos livros do ano, os grandes vencedores da premiação nas categorias ficção e não-ficção.

Na primeira categoria, foi escolhido "Cinzas do Norte", do amazonense Milton Hatoum. O vencedor de não-ficção foi "Carmen - Uma Biografia", do carioca Ruy Castro (ambos publicados pela Companhia das Letras). Cada um deve receber R$ 30 mil.

No último dia 8 de agosto, já haviam sido divulgados os três primeiros lugares em cada uma das 19 categorias do prêmio, incluindo romance, poesia, contos e crônicas e capa. Todos receberam estatuetas, sendo que os primeiros colocados também ganharam prêmio no valor de R$ 3.000.

Outros prêmios


Gabriel Pensador, que recebeu o prêmio de melhor livro infantil por seu "Um Garoto Chamado Rorbeto" (Cosacnaify), foi um dos mais aplaudidos da noite, ao subir ao palco com seu filho, Tom, 4.

Na categoria tradução foi vencedor o "Livro das Mil e Uma Noites" (editora Globo), vertido por Mamede Mustafa Jarouche.

Na área de teoria/crítica literária, o escolhido foi "O Local da Diferença" (34), de Márcio Seligmann-Silva. O melhor livro de poesia foi "Vestígios", de Affonso Romano de Sant'anna.

Em primeiro lugar na categoria reportagem, ficou o livro "Operação Araguaia - Arquivos Secretos da Guerrilha", de Taís Morais e Eumano Silva (Geração Editorial).

A cerimônia, promovida pela Câmara Brasileira do Livro, foi apresentada pelo Secretário de Estado da Cultura, João Batista de Andrade; pelo presidente da Câmara Brasileira do Livro, Oswaldo Siciliano, e pelo curador do prêmio, José Luiz Goldfarb.




"Um Garoto Chamado Rorbeto" (Cosacnaify), foi um dos mais aplaudidos da noite, ao subir ao palco com seu filho, Tom, 4.

Na categoria tradução foi vencedor o "Livro das Mil e Uma Noites" (editora Globo), vertido por Mamede Mustafa Jarouche.

Na área de teoria/crítica literária, o escolhido foi "O Local da Diferença" (34), de Márcio Seligmann-Silva. O melhor livro de poesia foi "Vestígios", de Affonso Romano de Sant'anna.

Em primeiro lugar na categoria reportagem, ficou o livro "Operação Araguaia - Arquivos Secretos da Guerrilha", de Taís Morais e Eumano Silva (Geração Editorial).

A cerimônia, promovida pela Câmara Brasileira do Livro, foi apresentada pelo Secretário de Estado da Cultura, João Batista de Andrade; pelo presidente da Câmara Brasileira do Livro, Oswaldo Siciliano, e pelo curador do prêmio, José Luiz Goldfarb.





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publcidade
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News & Society
Reference & Education
Sports
EFFECTS OF COMPARATIVE ADVERTISING IN HIGH-AND LOW-COGNITIVE ELABORATION CONDITIONS
Journal of Advertising, Summer 2006 by Chow, Cheris W C, Luk, Chung-Leung
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ABSTRACT:

An experiment using print ads as experimental stimuli found that the relationship between consumer attitudes and comparative advertisement intensity (CAI) follows a rotated S-shaped pattern; in other words, it is a thirdorder curve with a local maximum at the minimum value of CAI, and also a local maximum at the approximately third quartile value of CAI. Consumer attitudes were most positive either when there was no brand comparison (the minimum condition) or when the comparison was moderately intense (the third quartile condition). The rotated S-shaped pattern was more pronounced in the high-cognitive elaboration (CE) condition than in the low-CE condition. One week after exposure to the ads, the rotated S-shaped pattern disappeared in both the high- and low-CE conditions, but the attitudes declined more in the high-CE condition than in the low-CE condition. Managerial implications are discussed.

The research on comparative advertising, wherein a product or service is explicitly compared with that of a competitor, has obtained mixed results. On the one hand, some researchers (e.g., Levine 1976; Shimp and Dyer 1978) found that comparative ads are no more effective than noncomparative ads. On the other hand, Demirdjian (1983), Pechmann and Ratneshwar (1991), and Tannenbaum (1976) showed that comparative ads were more effective and advocated their use over noncomparative ads. To reconcile this discrepancy, Donthu (1992) suggested that the intensity of the comparison in an ad should be taken into account. Comparative advertisement intensity (CAI) is quantifiable, as discussed below. Donthu's findings showed that consumer attitudes were most positive when the intensity of the comparison was moderate, and less positive when there was either no comparison or a highly intense comparison.

Advertisement

In the present study, we seek to extend Donthu's (1992) research on comparative advertising by including cognitive elaboration (CE) as a variable. Despite the large body of research on CE (e.g., Petty and Cacioppo 1986; Wilson and Brekke 1994), no attempt has been made to examine the effect of CE on consumers' reactions to comparative ads. The present study set out to fill this gap. Drawing on Kelley's (1967, 1973) attribution theory, we propose that the pattern of the relationship between CAI and consumer attitudes should be an S-shape rotated 90 degrees anti-clockwise, as shown in Figure 1. We found that Donthu's (1992) findings are characteristic of the lowCE condition. Finally, we examine the persistence of consumer attitudes formed under high- and low-CE conditions.

COMPARATIVE ADVERTISEMENT INTENSITY (CAI)

In his study of television ads, Donthu (1992) defined five levels of CAI, ranging from 0 to 4, where 0 stands for "no comparison" and 4 stands for "very intense comparison." The level of CAI is determined by four factors: whether the competing brand is named or not (X1), whether specific rather than overall comparisons are made (X2), whether one-sided rather than two-sided comparisons are made (X3), and whether more than 50% of the time of a television commercial is spent on comparisons (X4). Each of these factors, if present, can increase CAI by one level, as shown in the following formula:

CAI = X1 + X2 + X3 + X4. (1)

Thus, CAI would be higher when the competing brand is explicitly named (Wilkie and Farris 1975), if the comparisons are made on specific attributes (rather than a general statement saying that the advertised brand is better) (Wilkie and Farris 1975), if only one-sided comparisons are made (Kamins and Assael 1987; Swinyard 1981), and if over 50% of the time for a television commercial is spent on comparisons.

The particular issue of one-sided versus two-sided comparisons has been widely researched. Researchers (e.g., Kamins and Assael 1987; Swinyard 1981) generally agree that twosided comparisons, consisting of both favorable and unfavorable comparisons, make the ad less confrontational and thereby decrease the intensity of the brand comparison. On the other hand, one-sided comparisons, although more intense, produce more counterarguments in the minds of consumers and lead to less acceptance than do two-sided comparisons (Kamins and Assael 1987; Swinyard 1981).

THE DISCOUNTING AND AUGMENTING PRINCIPLES

According to attribution theory (Kelley 1967, 1973), whether a consumer believes the claims made in an ad depends on the attributions that he or she makes concerning those claims (Gorn and Weinberg 1984). Kelley's discounting principle states that if a consumer attributes the claims to external factors, such as environmental pressure on the advertiser to make money by enticing consumers into buying the advertised product, the believability of the claims will be discounted (e.g., Gotlieb and Sarel 1991). One example would be a shabbily dressed street hawker extolling the virtues of a pile of counterfeit ladies' handbags. The hawker's obvious financial need would lead the consumer to conclude that the hawker's claims are phony, and that there is nothing particularly desirable about the bags (except, perhaps, their low prices). On the other hand, Kelley's augmenting principle suggests that when no plausible cause can be found in the environment, the consumer attributes the claims to the true beliefs of the advertiser, and the believability of the claims are increased (e.g., Swinyard 1981). One example is the series of Daimler-Benz commercials highlighting the safety features of Mercedes passenger cars. Since the company is extremely wealthy and a world leader in its field, consumers are led to conclude that the claims are motivated by the company's genuine interest in safety, and the ads are therefore seen as credible. These two attribution principles have been generally supported by experimental studies (e.g., Hansen and Hall 1985; for a review, see Fiske and Taylor 1991). These studies also show that the discounting effects are more pronounced than the augmentation effects.




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journal of dance

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degas dance


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Life imitates art, but why?
September 29th, 2006, filed by Robert Basler
It’s very well known among art scholars that Edgar Degas dreamed of someday having his paintings imitated by live models in underwear, so how thrilled he would be if he could see the JCPenney folks using his classic work to promote a new line of lingerie! They’re using Boticelli and other artists, as well. Are there great artworks you would like to see acted out by underclothes models? Let us know via Post a Comment.




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sexta, 29 setembro, 2006
ivens machado


Divulgação
"Acumulações", de Ivens Machado, apresenta 40 esculturas em Reutilização de materiais de Ivens Machado é exibida em São Paulo
Galeria Virgilio inaugura mostra do artista, que não expõe na cidade desde 91

Divulgação
"Minarete", escultura produzida neste ano com madeira de eucalipto por Ivens Machado

MARIO GIOIA
DA REPORTAGEM LOCAL

Materiais áridos, brutos e descartáveis que adquirem leveza após a intervenção do artista. Ivens Machado, 64, continua a reinventar a matéria em sua nova exposição, que é aberta hoje na galeria Virgilio, em São Paulo, cidade que não recebia uma individual do artista desde 1991.
O trabalho com materiais diversos -madeiras que lembram estacas de construção, tijolos e pedras portuguesas de calçamento descartados em reformas, concreto armado, carvão, arame- adquire várias formas esculturais: por vezes, em estruturas de grandes dimensões, por outras, em formas contidas, postas na parede.
"Gosto dessa mudança de sentido. O que estava a nossos pés, na calçada, é levado ao nosso olhar quando a obra é pendurada no plano", diz Machado, participante de quatro edições da Bienal de São Paulo -1981, 1987, 1998 e 2004- e convidado para instalar suas esculturas no exterior, como em Varese, na Itália, em 1990, e em coletivas com curadoria do italiano Achille Bonito Oliva ("Arie", em 1991, e "Termoli", em 1992).
"Na Itália, me aproximaram de nomes da "arte povera". Depois vi semelhanças, mas quando fiz os trabalhos não tinha isso em mente. Não conhecia tanto de arte quando comecei a fazer esculturas desse tipo", conta ele. A aproximação com a "arte povera", de nomes como Luciano Fabro, vem pelo fato de eles utilizarem materiais não-convencionais ("pobres"), como terra e madeira.
"Sem dúvida, há um componente político nisso. Reaproprio elementos avessos à beleza e que virariam lixo, e eles adquirem um novo status", diz o artista, catarinense radicado no Rio desde 1964.

Coletiva
A galeria também sedia a mostra coletiva "Paisagem Bruta", com curadoria de Luiz Camillo Osório, com artistas cujas obras se aproximam do estilo de Machado, como Marcone Moreira e Afonso Tostes.



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IVENS MACHADO - ACUMULAÇÕES
Quando: de seg. a sex., das 10h às 19h; sáb., das 10h às 17h; até 28/10
Onde: galeria Virgilio (r. Dr. Virgilio de Carvalho Pinto, 426, Pinheiros, tel. 3062-9446)
Quanto: entrada franca http://www1.folha.uol.com.br/fsp/acontece/ac2709200602.htm



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estréia cisne negro
28/09/2006 - 18h45
A música e a póetica de corpos de "Trilhas", da Cia. Cisne Negro, têm estréia nacional

Da Redação


Divulgação


Antonio Gomes assina a coreografia inédita

VEJA TRECHO DE "TRILHAS"A companhia paulista de dança Cisne Negro faz a estréia nacional da peça "Trilhas", na sexta-feira (29), em São Paulo. Além da coreografia inédita de Antonio Gomes, o grupo apresenta o espetáculo de repertório "Mozartíssimo", de Gigi Caciuleanu.

"Trilhas", com composições assinadas por Ney Rosauro, foi concebido coreograficamente inspirado na música e remete a desafios, conflitos e experiências comuns às relações humanas. O espetáculo que já teve pré-estréias em Florianópolis e Temuco (Chile) chega a São Paulo em curta temporada, somente em cartaz até o domingo (1º).

"Mozartíssimo", de 1991, do franco-romeno Gigi Caciuleanu, recebeu uma nova versão este ano e é reapresentado ao público em celebração aos 250 anos do nascimento de Mozart. A peça é baseada na "vida de artista ambulante" de Mozart e aborda sua afinidade com trupes de saltimbancos, e traz inspirações na "Commedia Dell'Arte".

Cisne Negro Cia. de Dança
» QUANDO - De 29/9 a 1/10, sexta e sábado, às 21h; domingo, às 18h.
» ONDE - Teatro Alfa (Rua Bento Branco de Andrade Filho, 722, Santo Amaro, São Paulo). Informações: (11)5693-4000.
» QUANTO - De R$30 a R$50.
http://diversao.uol.com.br/ultnot/2006/09/28/ult100u5935.jhtm




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quinta, 28 setembro, 2006
pensar a fotografia

Pensar a Fotografia





O que é a fotografia e o que é pensar fotograficamente.?




Antes de mais nada a fotografia sendo a presença de um ausência, como que imagem que é também, ela é o real presente faltoso, ela é o que flagra, um lúmen que testemunha.




Fotografar é pois flagrar marcas desenhos pontos, suscetibilidades óticas, é percepto de luz e cores , de formas , de marcas numa ambiência.




A foto nos comunica por esta ambiência e claro no seu conteúdo, ela nos comunica porque invade nosso imaginário e assim detona nosso poder de ir em busca de sentido, de aparências.




A fotografia como sendo e vindo de fot é uma iluminância, por um lúmen e por assim ser nos acende no imaginário e assim nos ajuda a interpretar, a sentir , a dizer a esclarecer como que alumiando o que nos enleva, nos cutuca, e assim expressa para nós.




Com a foto reinventamos o real, ou queremos dizê-lo mais de perto como flagra e sensação, metaforizamos esse real numa combinação de técnica, lente, aproximações inversões truques e sensibilidade de quem ver ou de quem gosta de trocar , jogar sentir o que vê e nesse jogar de sentir e ver pensa , arquiteta o pensar pela imagem por esses truques imaginários.




São estas conjunções de elementos materiais e imateriais, como a câmera, a lente , os recursos eletrônicos ou combinados aos imateriais como o imaginários e o nosso jogo de sentir e de querer expressar que fazem a fotografia ser um pensar o visível e invisível. Visível porque partimos do que nos afeta escopicamente e invisível porque a ambiência sempre guarda aquilo que se esconde nela, na aura, na moldura que conjura, instiga canta atrás.




A fotografia é sempre este lúmen , este luminoso que não ilumina o todo e pede o jogo do olhar do sentir para mais aclarar. A fotografia é como a pedra no meio do caminho de Drummond quer dizer mais e não se explicita pois carece da elucubração do que a vê e sente.




A foto é um momento do espaço no qual se exclama por outro, na foto, é buscar tirar proveito deste espaço é reinventá-lo numa poética dupla da técnica e da exuberância do olhar estético.É ao mesmo tempo, assim , a compactação deste dois momentos, é sentir o sabor de ver e estar sobre o espaço.Ë criar e linguagem do ausente do conceito palavra é tenta ludibriar o verbo,mesmo nas escansões que este faz em nossa máquina pensante com seu poder de conceituar fonematicamente e deformar o visível sob a prega da palavra.
















A foto é esta compressão que se submete a palavra, é uma saia justa dizê-la , mas ao tentar dizê-la pensar as suas entranhas, na sua visibilidade que nos afeta,sentimos ao menos quanto ela é complexa por ser reveladora em outros parâmetros que não são os da palavra. .co nti nuarei .......... paulo vasconcelos paulovas@gmail.com




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mariano klautau filho

Mariano Klautau Filho
marianokf@uol.com.br

atau filho



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Fotografo Prof em Manaus Mariano Klautau Filho

Mariano Klautau Filho
marianokf@uol.com.br




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jovens fotógrafos

Projeto Jovens Fotógrafos

Zeca Caldeira apresenta no Museu da Imagem e do Som a exposição fotográfica Silêncios

Da Redação



O Museu da Imagem e do Som (MIS), de São Paulo, abre no próximo dia 4, quarta-feira, a exposição Silêncios, de Zeca Caldeira. Integrando o projeto permanente Jovens Fotógrafos, a série é composta por 12 fotografias inéditas da arquitetura cotidiana.


Com textura densa e colorido forte, as imagens revelam paredes descascadas, janelas abandonadas, portas emperradas e becos escuros que ganham vida e, ao mesmo tempo, acusam a solidão do espaço público. O trabalho vem sendo realizado por Caldeira desde 2005.


Essa é a segunda exposição do fotógrafo carioca que, em agosto deste ano, apresentou 20 imagens no Espaço Cultural Cristal, também em São Paulo. Caldeira começou sua carreira em 1999 como assistente dos fotógrafos Luiz Garrido e Sergio Pagano, no Rio de Janeiro. Em 2001, mudou-se para São Paulo, onde fez o Curso Abril de Fotografia e começou a trabalhar como freelancer para as principais editoras do país. Hoje, fotografa para as revistas IstoÉ Dinheiro e Dinheiro Rural, ambas da Editora Três. Paralelamente ao trabalho editorial, Caldeira participa da Casa da Lapa, projeto que reúne cenógrafos, designers, videomakers, fotógrafos, DJs e músicos.


Serviço Photos:
Exposição Silêncios
Abertura: 4 de outubro.
Até 29 de outubro
MIS – Avenida Europa, 158.
Funcionamento: de terça a domingo, das 10h às 18h.
Entrada: R$ 3 (inteira) e R$ 1,50 (meia-entrada)
Tel. (11) 3062.9197/ 3088.0896
Estacionamento: R$ 5 e R$ 10.

http://photos.uol.com.br/materia.asp?id_materia=4312





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a substância supérflua
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As aventuras da Casa de Cinema, por Fernando Masini
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A substância supérflua
Por José Galisi Filho

“Ao desvalorizar a força viva de trabalho, a terceira revolução industrial destrói o próprio valor e coloca todo o sistema de produção de mercadorias em xeque”, diz, em entrevista, o ensaísta Robert Kurz


Uma das características mais notáveis do ensaísmo de Robert Kurz, 63, partilhada por seus leitores marxistas ou não, é a capacidade de dramatizar, com ironia, no movimento do texto, o tecido complexo da trama contemporânea, agregando, à observação do detalhe, a fantasia de imaginar um mundo diferente com categorias experimentais.

Essa qualidade é, por assim dizer, literária, uma antiprosa, cujo saldo decorre daquilo que o dramaturgo Heiner Mueller chamou certa vez de a “pressão da experiência autêntica” no movimento do material. Nesse sentido, a reflexão de Kurz sobre a constelação pós-Guerra Fria precisa ser pensada, em seus devidos termos, dentro da particuliaridade da experiência alemã nos últimos 16 anos desde a Reunificação, nos quais seu país, relativamente civilizado e pacificado pela social-democracia depois da barbárie, transformou-se novamente num laboratório social e num pesadelo darwinista.

Ninguém menos que o poeta e editor Hans Magnus Enzensberger reconheceu prematuramente nessa imaginação sobre a fatalidade histórica da Reunificação e seu curso de desastre o convite para entrar em um território desconhecido. No outono de 1991, “O Colapso da Modernização”, de Kurz, era lançado na Andere Bibliotheke, editada por Enzensberger, dois anos antes da publicação de “Visões sobre a Guerra Civil”, livro deste poeta e ensaísta.

A sombra do argumento de Kurz projeta-se literariamente no argumento de Enzensberger sobre o excesso e o autismo de uma violência libertada das antigas amarras ideológicas nos Balcãs como metástase de uma crise que se irradia da periferia para o centro do sistema. Uma das características mais marcantes do ensaio é a homologia subjacente entre o “êxtase” dessa “subjetividade balcanizada” e o pathos niilista da crítica cultural pós-moderna.

Ao despedir-se das armadilhas morais do universalismo esclarecido, impotente pelo bombardeio de informações, Enzensberger convidava o leitor a uma ética da responsabilidade civil, além da política partidária. Se, para Kurz, o colapso do socialismo de caserna significava menos uma vitória do capitalismo sobre a antiga ditadura do SED (sigla em alemão do Partido Socialista Unificado da Alemanha, que se converteu depois no Partido Social-Democrata da Alemanha - SPD), do que o signo de uma crise da própria concepção de “trabalho abstrato” arraigada na ética protestante tanto no Leste como no Ocidente, Enzensberger sinalizava nesse processo o termo histórico da modernização.

A questão da pós-modernidade era objeto da antologia de Kurz de 1999, “O Mundo como Vontade e Design, Estilos de Vida de Esquerda e Estetização da Crise”, uma cartografia do novo yuppismo intelectual nas figuras dos críticos Nobert Bolz e Diedrich Diederichsen e do desinteresse “individualizado” de uma geração, os ex-plebeus 68 que “chegaram lá”, a política como pose de charutos e ternos Armani, no auge da bolha financeira da “new economy”. Amor virtual, internet, Love Parade, analfabetismo funcional, legiões de mães solteiras empobrecidas, colapso da masculinidade, Kurz traçava um inventário da miséria individualizada da geração “single”.

Em 2000, “O Livro Negro do Capitalismo” dava forma enciclopédica ao programa categorial da antiga revista “Krisis”. Pela primeira vez, uma obra de Kurz ganhava ressonância nacional, chegando a ser considerada pelo “Die Zeit” como o mais importante lançamento nos últimos dez anos.

Ao contrário do sociólogo Ulrich Beck, que se tornou conselheiro da ala modernizadora do SPD durante os anos da coalizão vermelho-verde, Kurz sempre manteve uma distância crítica da política partidária. Mas sua reflexão, em sentido concreto, é antes de tudo um ajuste com a “chispa desembestada” (na expressão de Roberto Schwarz) da esquerda tradicional alemã que, entre outras aberrações, se transformou em terrorismo anti-semita no início dos anos 70 e se aglutina hoje em torno da “LinkBuendnis” capitaneada por Oskar Lafontaine, na forma de uma crítica vulgar do capitalismo financeiro, emparedada pela dessolidarização do rápido desmonte da máquina social.

Na entrevista a seguir, Kurz fala sobre a atual situação da Alemanha e do capitalismo e responde à pergunta da Documenta: “A modernidade é nossa Antigüidade?”.


Essa qualidade é, por assim dizer, literária, uma antiprosa, cujo saldo decorre daquilo que o dramaturgo Heiner Mueller chamou certa vez de a “pressão da experiência autêntica” no movimento do material. Nesse sentido, a reflexão de Kurz sobre a constelação pós-Guerra Fria precisa ser pensada, em seus devidos termos, dentro da particuliaridade da experiência alemã nos últimos 16 anos desde a Reunificação, nos quais seu país, relativamente civilizado e pacificado pela social-democracia depois da barbárie, transformou-se novamente num laboratório social e num pesadelo darwinista.

Ninguém menos que o poeta e editor Hans Magnus Enzensberger reconheceu prematuramente nessa imaginação sobre a fatalidade histórica da Reunificação e seu curso de desastre o convite para entrar em um território desconhecido. No outono de 1991, “O Colapso da Modernização”, de Kurz, era lançado na Andere Bibliotheke, editada por Enzensberger, dois anos antes da publicação de “Visões sobre a Guerra Civil”, livro deste poeta e ensaísta.

A sombra do argumento de Kurz projeta-se literariamente no argumento de Enzensberger sobre o excesso e o autismo de uma violência libertada das antigas amarras ideológicas nos Balcãs como metástase de uma crise que se irradia da periferia para o centro do sistema. Uma das características mais marcantes do ensaio é a homologia subjacente entre o “êxtase” dessa “subjetividade balcanizada” e o pathos niilista da crítica cultural pós-moderna.

Ao despedir-se das armadilhas morais do universalismo esclarecido, impotente pelo bombardeio de informações, Enzensberger convidava o leitor a uma ética da responsabilidade civil, além da política partidária. Se, para Kurz, o colapso do socialismo de caserna significava menos uma vitória do capitalismo sobre a antiga ditadura do SED (sigla em alemão do Partido Socialista Unificado da Alemanha, que se converteu depois no Partido Social-Democrata da Alemanha - SPD), do que o signo de uma crise da própria concepção de “trabalho abstrato” arraigada na ética protestante tanto no Leste como no Ocidente, Enzensberger sinalizava nesse processo o termo histórico da modernização.

A questão da pós-modernidade era objeto da antologia de Kurz de 1999, “O Mundo como Vontade e Design, Estilos de Vida de Esquerda e Estetização da Crise”, uma cartografia do novo yuppismo intelectual nas figuras dos críticos Nobert Bolz e Diedrich Diederichsen e do desinteresse “individualizado” de uma geração, os ex-plebeus 68 que “chegaram lá”, a política como pose de charutos e ternos Armani, no auge da bolha financeira da “new economy”. Amor virtual, internet, Love Parade, analfabetismo funcional, legiões de mães solteiras empobrecidas, colapso da masculinidade, Kurz traçava um inventário da miséria individualizada da geração “single”.

Em 2000, “O Livro Negro do Capitalismo” dava forma enciclopédica ao programa categorial da antiga revista “Krisis”. Pela primeira vez, uma obra de Kurz ganhava ressonância nacional, chegando a ser considerada pelo “Die Zeit” como o mais importante lançamento nos últimos dez anos.

Ao contrário do sociólogo Ulrich Beck, que se tornou conselheiro da ala modernizadora do SPD durante os anos da coalizão vermelho-verde, Kurz sempre manteve uma distância crítica da política partidária. Mas sua reflexão, em sentido concreto, é antes de tudo um ajuste com a “chispa desembestada” (na expressão de Roberto Schwarz) da esquerda tradicional alemã que, entre outras aberrações, se transformou em terrorismo anti-semita no início dos anos 70 e se aglutina hoje em torno da “LinkBuendnis” capitaneada por Oskar Lafontaine, na forma de uma crítica vulgar do capitalismo financeiro, emparedada pela dessolidarização do rápido desmonte da máquina social.

Na entrevista a seguir, Kurz fala sobre a atual situação da Alemanha e do capitalismo e responde à pergunta da Documenta: “A modernidade é nossa Antigüidade?”.

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Quando se fala no fim da modernização, à qual paradigma estamos ainda nos referindo?

Robert Kurz: O conceito de moderno é bastante mutável e apreendido de maneiras inteiramente distintas, dependendo do contexto no qual se argumenta. Entre os históriadores, por exemplo, existe o conceito de “pré-moderno”, datado entre os séculos 16 e 17, e o moderno compreenderia todo o processo histórico a partir dessa época. Já na filosofia, o início do moderno é frequentemente assimilado ao Esclarecimento (ou Iluminismo) do século 18, ao qual todas as teorias e ideologias posteriores até hoje se referem direta ou indiretamente. Para a maioria dos economistas e sociólogos, por sua vez, o moderno começaria com a industrialização no início do século 19, da qual se origina uma história das diversas revoluções industriais, que culminaria hoje na terceira revolução industrial da microletrônica.


Robert Kurz: O conceito de moderno é bastante mutável e apreendido de maneiras inteiramente distintas, dependendo do contexto no qual se argumenta. Entre os históriadores, por exemplo, existe o conceito de “pré-moderno”, datado entre os séculos 16 e 17, e o moderno compreenderia todo o processo histórico a partir dessa época. Já na filosofia, o início do moderno é frequentemente assimilado ao Esclarecimento (ou Iluminismo) do século 18, ao qual todas as teorias e ideologias posteriores até hoje se referem direta ou indiretamente. Para a maioria dos economistas e sociólogos, por sua vez, o moderno começaria com a industrialização no início do século 19, da qual se origina uma história das diversas revoluções industriais, que culminaria hoje na terceira revolução industrial da microletrônica.

No campo da arte e da cultura, o conceito de moderno se estabelece de maneira marcante na reflexão apenas no século 20, antes da Primeira Guerra Mundial, não se estendendo como “clássico moderno” além das décadas de 50 e 60, quando parece se esgotar e desembocar no assim chamado pós-moderno.

Do campo da arte e do aparelho cultural, o tema do fim do moderno e do início de um pós-moderno estendeu-se, neste entretempo, para a filosofia, as teorias da história, a sociologia e até para a economia. A “nova economia” do capitalismo-cassino-internet foi descrita como um paradigma socioeconômico pós-moderno, como uma nova era de acumulação de capital e prosperidade, cuja bolha, de maneira patética, já estourou há alguns anos.

A desorientação parece tão completa, que Juergen Habermas já proclamava, no início dos anos 80, uma “nova intransparência”. O problema consiste no fato de que, no desenvolvimento do moderno, a perspectiva da totalidade social e da história se torna cada vez mais fugidia. As ciências sociais se “diferenciaram”, as teorias referem-se cada vez mais apenas a “partes do sistema”. O conjunto se perdeu, e desse refluxo e vazio o pós-moderno fez precisamente soar sua hora no culto desta desconexão.

Na pós-história, a história mesma foi atomizada; na sociologia, os “processos de individualização” (Ulrich Beck) reabilitados; e na economia os pontos de vista “microeconômicos” realçados e o conjunto capitalista dissolvido na particularidade dos “sujeitos econômicos”.

A mesma atomização processou-se na arte, na indústria cultural e nos estilos de vida alternativos. Cada um por si e Deus contra todos. Essa tendência à atomização não é apenas pura ideologia, mas apresenta também pressupostos sociais bem objetivos, que, não obstante, não foram até agora refletidos. A sociedade parece se dissolver numa ausência de conexão real, e esse processo é pensado de maneira igualmente sem conexão com a base social real, isto é, ele é reduplicado idealmente. Nesse sentido, o pós-moderno é, por assim dizer, a realização de sua própria profecia.

Mas uma outra perspectiva se oferece quando consideramos o conjunto da sociedade e da história. O moderno constituiu um contínuo e uma conexão categorial, uma certa formação histórica da sociedade, diferenciada de suas formas agrário-religiosas tradicionais. Essencial nesse processo é a constituição do capitalismo, por um lado, isto é, do moderno sistema de produção de mercadorias, e, por outro, das relações modernas entre os gêneros, no qual o patriarcado, bem como a reprodução social, foram “objetivados”.

O “trabalho abstrato”, a forma da mercadoria, a mediação do mercado mundial e a concorrência universal tornam-se determinações centrais. Essas formas aparentemente neutras são também “estruturalmente masculinas”, isto é, espelham a supremacia masculina na política e na economia, em certo sentido, também no aparelho cultural. As mulheres estão representadas neste setor, mas são também, como afirma a socióloga Regina Becker Schmidt, “duplamente socializadas”, pois aqueles momentos não originários da reprodução social (atividades domésticas, educação dos filho, empatia, trabalho amoroso), no “trabalho abstrato”, na política e no aparelho cultural foram apartados pelo capitalismo ascendente da sociabilidade oficial e historicamente delegados às mulheres. O capitalismo, o objetivo do moderno sistema de produção de mercadorias como da “valorização do capital” e de sua esfera política, constitui, dessa forma, igualmente, um sistema de “separação de gêneros” (Roswitha Scholz).

Mas o assim entendido “moderno” não constitui nenhum contínuo estático, porém dinâmico. Por essa razão, o conceito de “moderno” vai a par com o de modernização. A modernização foi inicialmente um processo de colonização externa e interna, ou seja, um processo de consolidação das modernas categorias sociais através do colonialismo europeu, externamente, e de subversão das velhas relações agrário-religiosas e dos vínculos pessoais, internamente. Esse processo foi desigual e completou-se nas diversas partes do mundo fora da Europa e da América do Norte em ondas intermitentes sucessivas, que se estenderam pelo século 20 adentro. Por esse motivo, fala-se também em “não-simultaneidade histórica”.

Mas, em segundo lugar, o conceito de modernização designa o desenvolvimento das modernas relações a partir de “seus próprios fundamentos” (Marx), a história da Revolução Industrial, as metamorfoses emergentes da esfera política (democratização) e as novas formas de expressão e da separação entre os gêneros.

Seria, portanto, o pós-moderno uma época essencialmente distinta do moderno. Por outro lado, o discurso do pós-moderno pressupõe que a modernização teria atingido seus limites históricos. O capitalismo e sua divisão de gêneros tornaram-se, na globalização, um sistema planetário e, nessa simultaneidade, esse desenvolvimento interno pareceria ter se esgotado. Há, de fato, novas formas de individualização, a internet, a economia transnacional, mas as modernas categorias sociais tornaram-se vazias e ocas. As mudanças econômicas, sociais e técnicas não correspondem mais aos novos conteúdos e perspectivas. Isso se mostra particularmente claro na esfera sensível da arte e da cultura. Mas essa dinâmica é apenas exterior. Com Paul Virilio, poderíamos falar de uma “rasante inércia”.

Tudo isso vem a par com um “crise econômica radicalizada”, que se estende da periferia até os centros capitalistas, na imagem do desemprego e da miséria em massa, nas infra-estruturas desarticuladas, no declínio da classe média, com as pessoas cada vez mais lançadas na precariedade social, entre elas muitas existências intelectuais e artísticas. Também a crescente migração global é parte da síndrome. No conjunto, estamos diante de uma crise global de nova qualidade. O pós-moderno não é uma época além do moderno, mas sim uma época da crise fundamental do moderno, uma época de transformação crítica rumo ao desconhecido, já que não se pode ser “mais moderno”, isto é, a modernização não encontra mais espaço para avançar.

A teoria e a ciência majoritariamente não compreenderam essa nova situação e procuram ainda navegar ao sabor do vento, pois não querem reconhecer o pós-moderno como crise do moderno em suas fronteiras históricas. Em parte, o pós-moderno é apresentado como uma suposta e completa nova

Pretendi fazer uma tradução efetivamente popular, dentro da tradição homérica"

Pretendi fazer uma tradução efetivamente popular, dentro da tradição homérica"
Pretendi fazer uma tradução efetivamente popular, dentro da tradição homérica"Entrevista: Donaldo Schüler, tradutor da "Odisséia"CARLOS ANDRÉ MOREIRA

Crítico literário e escritor, Donaldo Schüler é também tradutor de largo espectro, com versões produzidas para originais gregos, alemães, espanhóis, ingleses, latinos, franceses. Domina hebraico o bastante para traduzir, se quiser, mas ainda não se interessou em verter textos desse idioma. É autor da mais recente versão integral dos versos da Odisséia, de Homero, que a LEPM está publicando em três volumes de bolso. O poema narra as atribulações do rei grego Odisseu para voltar para sua terra, Ítaca, após o fim da guerra contra Tróia. Donaldo, autor da façanha de traduzir o Finnegans Wake, de Joyce, considerado intraduzível, levou quatro anos de trabalho, com interrupções e retomadas, para apresentar sua versão em português do épico grego. Durante os últimos meses, dedicou-se oito horas por dia ao trabalho, no gabinete no segundo andar de sua casa na Vila Ipiranga, em Porto Alegre. Como Haroldo de Campos, seu amigo, Donaldo vê a tradução não como simples versão, mas como criação de efeitos poéticos em outro idioma. - Há um momento em que o filho de Odisseu, Telêmaco, repreende sua mãe por relutar em aceitar aquele homem que se apresenta perante ela como seu marido, retornado 20 anos depois. Telêmaco usa o termo "Dysméter", para dizer que ela não está sendo boa mãe. Decidi traduzir pela palavra "mámãe", juntando as palavras "má" e "mãe" e ainda fazendo referência ao "mamãe", que é uma forma carinhosa em português.

Cultura - O senhor é professor de grego e de literatura grega, crítico, tem uma longa experiência com a Odisséia como leitor. O que o levou agora à tradução do livro?

Donaldo Schüler - Foi uma encomenda da editora. Quando li o poema pela primeira vez, foi pela tradução do Odorico Mendes, que é muito comentada, muito elogiada por Haroldo de Campos. É uma tradução do século 19 que tem achados importantes, embora muito complicada. Quando comecei a ler a Odisséia em grego, percebi que o texto original era muito mais simples. A tradução de Odorico Mendes não chega a ser propriamente integral, resume certas passagens e concentra a Odisséia em versos de 10 sílabas, dentro da tradição épica, quando o verso grego no hexâmetro é bem mais longo. Isso complica um pouco a tradução. A tradução dele também é erudita, de sorte que se dirige a muito poucos. Isso me levou a pensar numa tradução efetivamente popular. A tradução de Haroldo de Campos para a Ilíada, recente, é muito boa, mas também muito exigente. Ao contrário das traduções de Homero existentes, pretendi fazer uma tradução efetivamente popular, dentro de uma tradição homérica, já que Homero foi um cantor popular. Ele se dirigia aos ouvintes, os poemas eram declamados, cantados, dançados, e o próprio verso hexâmetro, como é de quantidades longas e breves, tem uma qualidade musical mesmo quando declamado. Fala-se numa tradução fiel, a tradução fiel é impossível. Por conta desse processo coloquial, essa oralidade precisa ser adaptada às exigências de uma tradução escrita. Então, tive o cuidado de me aproximar o quanto possível do texto de Homero, inclusive de sentir a importância das palavras e das formulações, da sonoridade dos termos gregos, do ritmo dos versos, para recuperar essa oralidade.

Cultura - O senhor e Haroldo de Campos eram amigos. Sua tradução da Odisséia de alguma forma dialoga com a dele, da Ilíada?

Schüler - Na verdade, não tive a oportunidade de conversar sobre a tradução com Haroldo (falecido em 2003). Acompanhei o trabalho desde o início e o comentei na imprensa. Na verdade o Haroldo publicou primeiramente a tradução da Ilíada apenas do primeiro canto, porque ele traduzia com intenção poética e não vertia obras inteiras. No contato que tivemos, lembrei-o da importância de terminar o trabalho. Ele tinha outra aproximação com o texto, como se vê em suas traduções da Bíblia e dos poetas provençais. Ele não tinha uma preocupação de fidelidade. Fazia poesia à medida que traduzia, e isso dava um caráter muito próprio às traduções dele. A tradução mais próxima ao texto original dentre as que ele fez foi justamente a da Ilíada. Minha intenção foi ligeiramente diferente. É mais ou menos como quando a gente escreve. A gente precisa saber para quem escreve e a quem se dirige. Então minha intenção, ao propor uma tradução popular, não foi a de baratear o texto, vulgarizar, tirar dele as soluções que ele tem, foi apenas recuperar esse caráter de oralidade que estava na origem.

Cultura - Essa tentativa de uma tradução mais popular se reflete mesmo nas escolhas que o senhor fez. Em sua versão da Odisséia, como no Finnegans Wake, o senhor escolhe em determinados momentos termos característicos do Rio Grande do Sul, como "guascaços". Qual a intenção nessas opções?

Schüler - Fiz isso na tradução do Finnegans Wake e alguns me cobraram isso, mas eu justificava essas opções lembrando que a Irlanda é uma região periférica com respeito à Inglaterra, como nós somos periféricos em relação ao centro do Brasil. Logo, era uma valorização da periferia e de um dizer nosso. Temos uma tradição épica, quer dizer, existem expressões nossas que talvez ressoem melhor dentro de uma tradução homérica do que se fosse em outra situação. A própria tradição guerreira do Rio Grande do Sul facilita isso.

Cultura - Já se disse que a Ilíada é um épico com ações focadas na guerra, enquanto a Odisséia seria o paradigma de uma vertente artística que associa a viagem, o deslocamento, a uma descoberta de si mesmo. O senhor concorda com essa análise?

Schüler - Sim, mas o que se nota em Homero ainda na Ilíada é que há uma alternância entre reflexão e ação guerreira. Se você reduzisse a Ilíada a situações puramente guerreiras, você teria menos da metade do que efetivamente há. Agora, a situação na Odisséia muda porque, excetuando-se os últimos cantos, não existe situação bélica, ela se cria efetivamente pelos diálogos, que são em grande quantidade. Daí uma teoria, expressa até por Platão, de que a tragédia grega seria originária de Homero. Existem determinadas passagens da Odisséia que são facilmente transpostas para o palco por essa circunstância da dialogação. Agora, tem a questão do retorno ao centro. Ela esteve no imaginário ocidental desde Homero. Nosso pensamento a partir dele foi um pensamento centrado. Agora talvez tenha havido uma mudança nos últimos anos. Numa teorização por exemplo de Jacques Derrida, que é antilogocêntrica, que coloca em lugar do centro a disseminação, mesma situação que se nota em Gilles Deleuze, que fala de uma fluidez que não esteja centrada em um núcleo, como no pensamento grego primitivo. O que marca a Odisséia na leitura contemporânea é que nós perdemos esse ponto de referência para um retorno ao centro, seja Atenas, seja Paris, seja Roma, Lisboa, Nova York, essa idéia de "centro" é algo que está se perdendo. Nós praticamos uma Odisséia sem centro.



Fronteiras da ciberculturaO próximo encontro do ciclo de conferências Fronteiras do Pensamento trará, além do professor Donaldo Schüler, o professor de Crítica da Mídia da Universidade de Nova York Mark Dery, conhecido por seus estudos sobre cibercultura. Eles vão falar sob o título A Instituição do Sexo Está por Todos os Lugares, a partir das 19h30min, no Salão de Atos da Reitoria da UFRGS (ingressos já esgotados). Dery é autor de The Pyrotechnic Insanitarium: American Culture on the Brink (1999), além de ter sido o editor de Flame Wars: The Discourse of Cyberculture (1994), antologia que deu início aos chamados ciberestudos. Os artigos e comentários ácidos de Dery podem ser lidos em seu blog, no endereço eletrônico http://www.markdery.com/.clicRBSLeia outros trechos da entrevista no blog Mundo Livro
by zero hora p alegre



postado por paulo alexandre cordeiro de vasconcelos as 12:08:28 0 comentários

Cúpula pq?

Cúpula pq?

Cúpula PQ ? PQ SERÁ?

ALGUÉM RESPONDE?

PAULO VASCO
Brasil quer reforçar laços com UE sem esquecer do Mercosul
Publicado em 01.07.2007, às 13h38


O Brasil espera da sua primeira Cúpula com a UE uma maior aproximação entre os "blocos" latino-americano (Mercosul) e europeu, bem como uma saída para o fracasso das últimas negociações para a liberalização do comércio mundial.

O ministro das Relações Exteriores brasileiro, Celso Amorim, disse à Agência Lusa que o fiasco da reunião de Potsdam, Alemanha, sobre a Rodada de Doha, da Organização Mundial do Comércio (OMC), tornou ainda mais importante esta cúpula, que acontece na quarta-feira, em Lisboa, e que lançará as bases de uma Parceria Estratégica entre a União Européia (UE) e o Brasil.

"Este será um dos temas da cúpula e nós vamos procurar maneira de nos aproximar. Penso que se poderá avançar mais", disse Amorim em entrevista exclusiva à Lusa.

Em 21 de junho, Brasil e Índia se retiraram das negociações com os EUA e a UE sobre a Rodada de Doha, em Potsdam, diante da relutância dos países mais ricos em cortar as ajudas aos seus agricultores, as quais comprometem a capacidade de concorrência externa dos setores agrícolas das economias em desenvolvimento e emergentes.

Mas o governo brasileiro ainda acredita que Doha pode ser salva e vai apostar tudo no diálogo em Lisboa com os europeus.

"Tanto um lado como o outro não querem que a Rodada de Doha termine em fracasso. Isso significaria três ou quatro anos a mais para que outra alternativa fosse tentada", afirmou à Agência Lusa o analista político David Fleischer, professor da Universidade de Brasília (UnB).

Na opinião de Fleischer, UE e Brasil são os dois principais atores das negociações comerciais internacionais que mais querem uma solução para a Rodada de Doha.

"Doha está agonizando, mas ainda não morreu. E os Estados Unidos têm a mão e o pé quebrados a nível da OMC, pois dependem de negociações para alterar a farm bill (lei agrícola norte-americana) no Congresso. Daí a importância do diálogo com os europeus", disse o analista.

Fleischer considera, no entanto, que o Brasil está com a liderança no G-20 enfraquecida por causa da desunião dentro desse grupo de países em desenvolvimento.

"Dá até para suspeitar que os Estados Unidos estão por trás dessa desunião do G-20. Afinal, vários países latino-americanos já assinaram acordos de livre comércio com


O Brasil espera da sua primeira Cúpula com a UE uma maior aproximação entre os "blocos" latino-americano (Mercosul) e europeu, bem como uma saída para o fracasso das últimas negociações para a liberalização do comércio mundial.

O ministro das Relações Exteriores brasileiro, Celso Amorim, disse à Agência Lusa que o fiasco da reunião de Potsdam, Alemanha, sobre a Rodada de Doha, da Organização Mundial do Comércio (OMC), tornou ainda mais importante esta cúpula, que acontece na quarta-feira, em Lisboa, e que lançará as bases de uma Parceria Estratégica entre a União Européia (UE) e o Brasil.

"Este será um dos temas da cúpula e nós vamos procurar maneira de nos aproximar. Penso que se poderá avançar mais", disse Amorim em entrevista exclusiva à Lusa.

Em 21 de junho, Brasil e Índia se retiraram das negociações com os EUA e a UE sobre a Rodada de Doha, em Potsdam, diante da relutância dos países mais ricos em cortar as ajudas aos seus agricultores, as quais comprometem a capacidade de concorrência externa dos setores agrícolas das economias em desenvolvimento e emergentes.

Mas o governo brasileiro ainda acredita que Doha pode ser salva e vai apostar tudo no diálogo em Lisboa com os europeus.

"Tanto um lado como o outro não querem que a Rodada de Doha termine em fracasso. Isso significaria três ou quatro anos a mais para que outra alternativa fosse tentada", afirmou à Agência Lusa o analista político David Fleischer, professor da Universidade de Brasília (UnB).

Na opinião de Fleischer, UE e Brasil são os dois principais atores das negociações comerciais internacionais que mais querem uma solução para a Rodada de Doha.

"Doha está agonizando, mas ainda não morreu. E os Estados Unidos têm a mão e o pé quebrados a nível da OMC, pois dependem de negociações para alterar a farm bill (lei agrícola norte-americana) no Congresso. Daí a importância do diálogo com os europeus", disse o analista.

Fleischer considera, no entanto, que o Brasil está com a liderança no G-20 enfraquecida por causa da desunião dentro desse grupo de países em desenvolvimento.

"Dá até para suspeitar que os Estados Unidos estão por trás dessa desunião do G-20. Afinal, vários países latino-americanos já assinaram acordos de livre comércio com




postado por paulo alexandre cordeiro de vasconcelos as 03:28:47 2 comentários




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